Texturas en composiciones figurativas.

Publicado 29 abril 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Primero de ESO, Textura

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Ejemplos de trabajos con texturas.

Publicado 16 abril 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Primero de ESO, Textura

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<div style=”margin-bottom:5px”> <strong> <a href=”http://www.slideshare.net/ramirofortea/ejercicio-la-textura&#8221; title=”Ejercicio sobre la textura” target=”_blank”>Ejercicio sobre la textura</a> </strong> from <strong><a href=”http://www.slideshare.net/ramirofortea&#8221; target=”_blank”>Ramiro Fortea</a></strong> </div>

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EJERCICIOS CON TEXTURAS TACTILES.

Recursos para trabajar con TEXTURAS.

Publicado 16 abril 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Primero de ESO, Textura

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ENCICLOPEDIAS DE TEXTURAS VISUALES:

  • CG Textures Pagina web con gran cantidad de imágenes de texturas, clasificadas por temas o materiales, que puedes guardar en tu ordenador visualizándola y haciendo clic con el botón derecho (guardar imagen como).
  • Texture King: Otra enciclopedia de texturas visuales. Está tambien categorizada por materiales. Ofrece imágenes de mayor tamaño y calidad.
  • Ministerio de educación: Contenidos, actividades en cuatro niveles sobre la textura: , , y
  • Tott: Thomas Ott es un artista polifacético alemán del cual es destacable su faceta como ilustrador de comics. utiliza la técnica del esgrafiado

La textura en el arte.

Publicado 16 abril 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Primero de ESO, Textura

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La textura es la apariencia de la superficie de los objetos. Además, aportan riqueza expresiva a las creaciones plásticas.

4 latextura-100502101932-phpapp01 from abelena

http://www.slideboom.com/presentations/186647/textura

La textura from Mayalen Piqueras Calero
Hanoch Piven from miriamglezgil
Ejemplos de ilustración con texturas from Lucía Alvarez

La figura humana en el Arte.

Publicado 11 abril 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Figura humana, Historia del Arte, Primero de ESO, Proporción

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El cuerpo como vehículo de la propia expresión implica un largo recorrido que involucra crecimiento y asociación de sensaciones, percepciones y emociones. El dibujo de una persona ofrece un medio natural de expresión de las necesidades y conflictos del cuerpo de uno.

El cuerpo humano como elemento de representación en el arte fue llamado “figura humana” por los artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de deseo, al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de estudio del arte.

Al contemplar el mundo, el ser humano se identifica con él y, mediante esta relación, crea y se expresa artísticamente.

ppt. representacion de la figura humana en la historia del arte from elba mariana saez llancaleo

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APUNTES DE ANATOMÍA

Publicado 14 marzo 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Dibujo, Figura humana, Primero de ESO

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ANATOMÍA Y LEONARDO DA VINCI

Leonardo no fue un humanista propiamente dicho. Tal y como él se denominaba, era un “hombre sin letras”, expresión que utilizaba para referirse a la carencia de cultural (como el latín) que tenía en relación a los estudiosos de la época. De hecho, esto provocó que dichos estudiosos contemporáneos a su figura lo ignoraran como científico.

La formación en anatomía humana de Leonardo comenzó a los dieciocho años, durante su época como discípulo de Andrea del Verrocchio, el cual insistía en que todos sus alumnos estudiaran esta disciplina para aprender a representar los cuerpos humanos con mayor exactitud. Como artista, rápidamente se hizo maestro en anatomía topográfica, dibujando muchos estudios sobre músculos, tendones, etc. Fue en este punto cuando verdaderamente comenzó su interés por la anatomía. Sin embargo, no fue hasta 1507 cuando Leonardo comenzó a practicar la disección. En ese año, como artista de éxito, consiguió el permiso del Hospital Santa María de Nouvoa de Florencia para diseccionar el cadáver de un anciano. Más tarde consiguió también permisos en hospitales de Milán y Roma. Ya en su segundo período milanés (entre 1510-1511) trató con Marcantonio Della Torre, médico anatomista de Pavía. Juntos prepararon un trabajo teórico para el que Leonardo hizo 228 planchas y proyectó un tratado de Anatomía (IL libro dell’Anatomia). Sin embargo, dichas planchas no llegaron a imprimirse y la mayor parte de su trabajo se perdió: lo que quedó de él se publicó en 1680 bajo el título de Tratado sobre la pintura. Por otro lado, sus estudios prácticos de disección se vieron interrumpidos en 1515, cuando fue acusado de prácticas sacrílegas por el Papa León X, el cual le prohibió la entrada en el Hospital del Espíritu Santo de Roma. De hecho, los trabajos de Leonardo Da Vinci estuvieron doscientos años fuera de la circulación, y para cuando fueron recuperados, ya no suponían nada frente al desarrollo de la anatomía en aquel momento, la cual había descubierto casi todas las estructuras macroscópicas y muchas de las microscópicas.

Los códices anatómicos: el método de Leonardo

Se dice que una de las razones por las cuales Leonardo basaba sus investigaciones en el dibujo era precisamente su escaso dominio de latín, sin embargo, la verdadera causa originaria de su método respondía a cuestiones intrínsecas, a su visión del mundo como artista que basa su obra en la observación. Durante toda su vida llenó numerosas libretas y códices con dibujos, apuntes, etc. sobre los estudios científico-técnicos que realizaba. Para ello utilizaba la escritura especular, la cual consistía en escribir de derecha a izquierda y necesitaba de un espejo para ser leída. Esto venia propiciado por la zurdera de Leonardo y también por la afición que tenía a cierto secretismo. De hecho, se ha dicho que con la escritura especular lo que Leonardo pretendía era burlar a la Inquisición. El corpus de dibujos anatómicos está compuesto por doscientas hojas aproximadamente y se conserva en la Royal Library of Windsor.

La relación entre imagen y texto es otra de las claves del método de genio italiano. En sus escritos (por llamarlos de alguna forma) eran los dibujos y no el texto los que soportaban la verdadera carga de los códices. Los textos explicaban o desarrollaban las propiedades y posibilidades contenidas en el dibujo. Así, la importancia del espacio, la figura y la visión (observación) preponderaban sobre la abstracción textual. Las cualidades artísticas de Leonardo le permitían ilustrar todo lo que descubría su ojo disciplinado. Debido a esto se le considera el iniciador de la ilustración científica moderna, considerada vehículo pedagógico y medio de investigación. El ojo del investigador va más allá de las formas para a partir de ellas descubrir la función subyacente. De esta manera, la observación de las estructura naturales supone el descubrimiento de su causa.

Estudios anatómicos

El Renacimiento fue la edad de oro de la anatomía macroscópica humana, la cual tomó su herencia de Galeno, el principal anatomista de la Edad Media. De igual forma, Leonardo comenzó sus estudios en anatomía siguiendo las enseñanzas de Galeno y también de Aristóteles, hasta que hacia 1500 ya comenzó a observar y dibujar por su cuenta. El dibujo más famoso de Leonardo Da Vinci supone la culminación macroscópica de la perfección figural del hombre: “Las proporciones del hombre” procede de uno de los cuadernos de Leonardo y es un estudio basado en las teorías del arquitecto Marco Vitrubio sobre la aplicación de la sección áurea (la proporción divina) al ser humano. Según éste la proporción entre la distancia desde la cabeza hasta el ombligo y desde éste hasta los pies, debe ser la misma que la proporción entre la distancia desde el ombligo hasta los pies y desde la cabeza hasta los pies. Esta aplicación de la sección áurea al cuerpo humano tuvo gran resonancia durante el Renacimiento, dado que la asunción de la perfección de las proporciones anatómicas supuso un punto de partida para la investigación: la naturaleza y su divina perfección habían construido una máquina donde cada elemento tenía su función.

Leonardo fue el inventor de los cortes anatómicos y de la representación de la figura humana en diferentes planos. La raíz de sus trabajos anatómicos se sitúa en sus intereses artísticos, ya que la exploración del cuerpo humano y su funcionamiento tenía como objetivo perfeccionar la representación de la figura humana. Los trabajos de Leonardo abarcaron diferentes campos según su “tratado anatómico” y se basaron hasta 1507 en la observación de la superficie de los cuerpos, momento en que comenzó a practicar la disección. Se interesó por las estructuras profundas (óseas, musculares y viscerales) y trató de comprender sus mecanismos funcionales a través del sustento de las disecciones y el análisis gráfico.

· Neurología:
Comienza sobre 1490. En este apartado estudia el ojo y el cerebro. El corte transversal y sagital del cráneo son algunos de sus dibujos más importantes. En el primero se puede observar la cavidad craneana, el cigoma y los maxilares. En el sagital se ven los senos frontal y maxilar. Por otro lado, también representó el nervio maxilar superior saliendo por el agujero mayor de la base de cráneo y emergiendo al exterior por el agujero suborbitario. Al lado dibujó la yugular y la carótida con sus ramificaciones faciales: es la primera representación del sistema vascular nervioso de este territorio. De hecho, es considerado el descubridor del seno maxilar. De la relación entre éste y la cavidad del ojo dice:

“El ojo, instrumento de la vista, está alojado en el hueco superior y en el espacio debajo de éste (el seno maxilar) hay un fluido que alimenta las raíces de los dientes. La cavidad del hueso de la mejilla es similar en profundidad y anchura a la cavidad que contiene el ojo en su interior y recibe venas en su interior a través de los agujeros”.

· Osteología y miología :
En la primera estudia los huesos (de 1508 a 1510). En esa misma época también realizará estudios de miología, es decir, sobre los músculos y su movimiento. Además estudió también los nervios periféricos.

· Sistema cardiovascular:
En 1513 dedicó mucho tiempo al estudio el corazón (el cual ya representó como un músculo) y las venas en 1513 realizando un dibujo que representa el árbol de las venas. Para estos últimos estudios hizo disecciones de bueyes.

· Aparatos respiratorio y digestivo:
Entre los años 1506 y 1510 realizó disecciones de cerdos y posteriormente dibujó sus aparatos digestivo y respiratorio. Cuando comenzó a dibujar el digestivo en el ser humano le asignó primero dos estómagos, lo cual rectificó más tarde al comenzar a diseccionar seres humanos. Describir y dibujar ambos aparatos le llevó cerca de 40 años y su resultado fue una colección de 779 dibujos de los que se conservan unos 600.

· Sistema genitourinario y reproductor:
Entre 1510 y 1512 realizó los dibujos más asombrosos de su Corpus anatómico, los cuales corresponden a los órganos sexuales y reproductores. Además, se introduce también en la embriología dibujando el primer feto in utero, una de las primeras representaciones de un feto humano.

· Estudios fisionómicos:
Estos estudios estaban basados en la odontología y fueron los que más sirvieron a la voluntad pictórica de Leonardo. Estudió la estructuración de la mandíbula y los dientes, así como el efecto que tenía la desdentación en la expresión de una persona. Para ello documentó los efectos de la edad y la emoción en la fisiología humana; también estudió personas con enfermedades o deformidades faciales. Todo esto le sirvió para dar carácter a sus personajes.

Conclusión

Leonardo no realizó ningún descubrimiento verdaderamente importante, y además muchos de sus estudios provenientes de la anatomía comparada con animales presentan errores básicos. Sin embargo, Da Vinci fue un hombre adelantado a su tiempo que abrió camino a la ciencia y anatomía modernas a través de la práctica de la disección. Fue un genio cuya obra científica fue ignorada en su momento por de alguna forma estar ésta supeditada a la obra pictórica. No obstante, aunque su trabajo se obvió y perdió durante siglos y no es considerado un anatomista formalmente, en la actualidad su obra conforma una de las bases de la historia de la anatomía.

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proporciones: figura humana

CABEZA

ANATOMÍA POR GRANDES MAESTROS

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https://i1.wp.com/0.tqn.com/d/arte/1/0/K/0/-/-/Leonardo-da-Vinci-Anatomia-Brazo.jpg

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La figura humana

Para dibujar la figura humana debemos de seguir cierto canon, que encaja y proporciona la figura humana desde la altura de la cabeza como medida básica. El canon de la figura humana ideal es de 8 cabezas de alto por dos de ancho, el cual fue establecido por Alberto Durero en el siglo XV. La altura de una figura normal es de siete cabezas y media, y la altura de una figura heroica es de 8 cabezas y media. Bajo este sistema debemos de tomar en el criterio de módulo, el cual consiste en un cuadrado, sonde cada uno de sus lados mide el tamaño de una cabeza

Para dibujar e la figura sigamos los lineamientos que a continuación se detallan:
1.La proporción del cuerpo es de 8 cabezas de alto por do cabezas de ancho (vista frontal)..
2.El nivel de los hombros se sitúa en un tercio del módulo 2.
3.Las tetillas coinciden exactamente en el limite inferior del módulo 2.
4.la distancia entre las tetillas es igual a una cabeza.
5.El ombligo queda un poco más abajo del limite inferior del módulo 3,
6.los codos se ubican a la altura de la cintura y el ombligo
7.El pubis se encuentra en el centro del cuerpo, en el limite inferior del módulo 4.
8.La rodilla queda ligeramente arriba del módulo 6.
9.En la figura de perfil, la pantorrilla sobresale del nivel vertical dado por los glúteos y el omoplato.
10.La manos miden aproximadamente una cabeza.

En el caso de la mujer, tomemos en cuenta lo siguiente:
1.Es un poco más bajo que el del hombre (10 cm aprox.).
2.Los hombros son más estrechos.
3.Los pechos, se ubican un poco más abajo.
4.La cintura es más estrecha.
5.Las caderas son más anchas.
6.En la figura de perfil, los glúteos sobresalen del nivel vertical dado por las pantorrillas y el omoplato.
Un usuario anonimo nos recordó que debemos citar las fuentes de las inmagenes aquí colocadas. Estas imágenes fueron sacadas del libro “Anatomía Dibujada” de Ariel Olivetti, un dibujante Argentino muy prestigioso que trabaja o trabajó para Marvel, DC y otros.

Dibujando la mano

El estudio de las manos, aparte del conocimiento de su construcción anatómica, consiste en aplicar la comparación de las distintas medidas. Los dedos poseen cierta longitud en relación con la palma; los espacios que median entre la juntura de los dedos son proporcionados a la longitud del dedo.
El ancho de la palma guarda relación con su longitud. La distancia que hay entre los nudillos de los dedos es mayor que la existentes entre los pliegues interiores. La longitud del dedo más largo desde su punta hasta el tercer nudillo del dorso es la mitad de la longitud del dorso de la mano desde la
punta de los dedos hasta la muñeca. El pulgar casi llega hasta la segunda articulación del índice.

La longitud de la mano es casi igual a la del rostro desde el mentón hasta la línea del pelo. Esas medidas son relativamente fáciles de tomar. La mano es la parte del cuerpo más flexible y diestra; puede aferrar o interiormente hacia la parte media de la palma. Las uñas son en realidad soportes rígidos de las puntas de los dedos y al mismo tiempo facilitan la presión. Agarráis un alfiles con la punta de los dedos; levantáis un martillo con la palma y dedos. El dorso de la mano permanece rígido cuando los dedos presionan hacia atrás, como cuando se empuja. Por su adaptación a cualquier propósito la mano es uno de los más maravillosos instrumentos que conocemos. Además de ser una instrumento perfecto, está en más estrecha coordinación con el cerebro que cualquier otra parte del cuerpo. Gran parte de sus movimientos están controlados por reflejos subconscientes;
ejemplos de ello son la dactilografía y la ejecución de piano. adaptarse a cualquier objeto de un peso
o tamaño razonables. Es esta flexibilidad la que causa más dificultades al artista, pues la mano
toma innumerables posiciones. Sin embargo el principio mecánico que pone en acción la mano permanece invariable.

El dorso de la mano se dibuja generalmente en tres planos: uno para la parte del pulgar hasta la primera articulación del índice; y las otras dos cruzando en ángulo el dorso de la mano hasta la muñeca. En la mayoría de los movimientos el dorso de la mano se curva y ésta se reduce a estos tres plano.

La palma es hueca y el dorso convexo. Las partes carnosas están colocadas de tal modo que un liquido contenido en el hueco de la mano no se derrama. La mano sirvió de taza al hombre primitivo, y usaba las dos manos para comer alimentos que no podía llevarse a la boca con una sola mano. El músculo del pulgar es el más importante de la mano. Ese músculo, trabajando con o en oposición a la tensión de los dedos, da al hombre suficiente presión para mantener su propio peso en suspensión. Este fuerte músculo le permitió usar la mano para el arco y la lanza. La vida de los animales depende de los músculos de su mandíbula y la de l os hombres depende de sus manos (tomado de “dibujo de cabeza y manos. Andrews Loomis).



 

Dibujando la boca

Dibujando las orejas

 

No debemos olvidad que la orejas tiene aproximadamente el tamaño de la nariz y estan ubicada en los extremo y a la misma altura.

Para dibujar una oreja, perimero hacemos el trazo de una c invertida (1), dibumos dentro de esta c, otra dos en forma contaria, tal como se ve en la figura (2)). unimos estas formas de manera que se forme una Y (3). Ahora dibujamos una pequeña U en extremo inferior (4). Damos forma a la parte exterior de la oreja (5). Solo nos queda darle el valor de claroscuro correspondiente.

La oreja terminada

A continuación se muestran varios tipos de orejas y en diversas posiciones.

 

Dibujando la nariz

 

Continuando con el dibujo del rostro humano, el siguiente elemento que estudiaremos será la nariz.
Para el dibujo de la nariz es importante realizar el encaje.

Posteriormente, empezamos a dar la forma haciendo uso de un lapiz 2b o 4b:

 

Dibujando los ojos

 

Como se mostró en el post anterior, existen diversas formas de determinar el posicionamiento de los elementos de rostro humano siguiendo los cánones establecidos por Durero. Pero allí no acaba la cosa, ahora se debe realizar el dibujo de cada uno de estos elementos (ojos, nariz, labios, orejas, cabello).

En este post trataremos el dibujo del ojo, para ello debemos de conocer la estructura del ojo.

En el dibujo del ojo es importante observar cada uno de sus detalles y luego proceder a dibujarlo, a continuación describimos un proceso para ello:
1.Se debe destacar que el ojo no es ovalo, pero podemos partir dibujando esa forma (fig. 1).

2.Establecemos la forma del ojo, marcando en la esquina de la izquierda la ubicación del lagrimal, borramos y establecemos su forma (fig 2, 3 y 4).

3.Bosquejamos alguna pestañas, pero solo una cuantas, porque sino el ojo pierde realismo (fig. 5 y 6).

4.Determinamos pupila e iris, damos una ligera sombra a los mismos, estableciendo el valor para cada uno de ellos (fig 7 y 8).

5.Damos el acabado, estableciendo los tonos finales, así como el brillo respectivo. Es recomendable usara lapices 4b y 6b (fig 10)
En el dibujo del retrato, es importante el realismo que demos a los ojos, de allí dependerá el parecido al persona que estamos tomando como modelo. A continuación se presenta alguno tipos de ojos y sus respectivas cejas.

Abajo se muestra algunos tipos de ojos para que te sirvan como modelo.

 

Dibujo del rostro humano

Existen ciertos cánones, es decir cierta reglas en el dibujo del rostro (Establecidas por el artista alemán Alberto Durero, en el siglo XV). Durero, estableció que para este dibujo debemos tomar en cuenta ciertas consideraciones, entre ellas:
1.La distancia que hay entre los ojos es la misma que el tamaño del ojo.
2.La distancia de la nariz es igual a la distancia que hay entre el limite inferior de la barbilla y el limite inferior de la nariz. También es igual a la distancia que hay entre el limite superior de la nariz a limite superior de la frente.
3.Las orejas están ubicadas entre los limites de la nariz.

Aquí mostraremos un procedimiento para el seguimiento de estos cánones.

1.dibujar un recuadro que tenga 3½ unidades de alto por 2½ unidades de ancho. Es decir que si la unidad es de 4 cm, entonces el alto es 14 cm (4 cm x 3.5) y el ancho es 10 (4 cm x 2.5).

2.Dibujar un ovalo entre los limites de ese recuadro y dividir este ovalo en cuatro partes iguales, trazando una línea vertical y otra línea horizontal

3. De las 2½ unidades, dividir la unidades exactamente en dos, de modo que queden 5 partes iguales.

4.Los tres recuadros de en medio, determinaran los ojos y posteriormente fijamos la nariz tal como se muestra en la figura

5. Una vez que hemos determinado los ojos y la nariz, procedemos a ubicar la boca. Dividimos la unidad inferior por la mitad dibujando un línea horizontal, determinado así el limite inferior de la boca.
El ancho de la misma, lo establecemos dibujando unas líneas paralelas que descienden desde el centro de los ojos (las pupilas).

6.Ahora, dimensionamos el ancho y forma de la cara. Dibujamos las orejas, que serán de igual alto que el alto de la nariz.

7.Por ultimo dibujamos el resto de detalles: cejas, cabello, etc.

 

 

El LENGUAJE DEL CÓMIC.

Publicado 21 febrero 2013 por departamentodedibujo
Categorías: IMAGEN SECUENCIAL, Primero de ESO

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El Cómic from Actimoliner Actimoliner

HISTORIA DEL CÓMIC. lOS INICIOS.

COMPONENTES DEL CÓMIC.

Enlace

LOS GESTOS

En el estudio del cómic, no pueden faltar los gestos. Los dibujantes de cómics han creado un código que permite descifrar el significado de los gestos de los personajes. Aunque existen muchas variantes expresivas, estos ejemplos son muy fácilmente reconocibles:

El pelo erizado: terror, cólera

Cejas altas: sorpresa

Cejas fruncidas: enfado

Cejas con la parte exterior caída: pesadumbre

Mirada ladeada: maldad, traición

Ojos muy abiertos: sorpresa

Ojos cerrados: sueño, confianza

Ojos desorbitados: cólera, terror

Nariz oscura: borrachera

Boca muy abierta: sorpresa

Boca sonriente: confianza

Boca sonriente que muestra los dientes: hipocresía

Comisuras de los labios hacia abajo: pesadumbre

Comisuras de los labios hacia abajo mostrando los dientes: cólera.

LOS TIPOS DE PLANOS

Las viñetas presentan la realidad en diferentes tomas. Para su estudio, al igual que en la fotografía o en el cine, se distinguen los siguientes tipos de plano:

Plano de detalle. Muestra algún rasgo del rostro del personaje o algún objeto a una distancia muy corta.

Primer plano. La cabeza o cabezas de los personajes ocupan prácticamente todo el espacio de la viñeta.

Primer medio. Muestra el busto de los personajes hasta la cintura.

Plano americano. El Plano americano, o también denominado 3/4, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Recibe el nombre de “americano” debido a que este plano apareció ante la necesidad de mostrar a los personajes junto con sus revólveres en los westerns americanos.

Plano entero. El personaje o personajes aparecen de cuerpo entero.

Plano general. El protagonista es el entorno (paisaje exterior -playa- o interior -habitación-), que puede aparecer con o sin personajes. Tiene una función descriptiva.

LOS TIPOS DE ANGULACIONES

La angulación es la inclinación desde la que se representa o dibuja la realidad. El dibujante adopta diferentes puntos de vista, como si tuviera en sus manos una cámara.

Frontal. LA cámara o los ojos del espectador se sitúan a la altura de la cabeza de los personajes.

Picado. La cámara se sitúa por encima del objeto o del personaje, de manera que éste se ve desde arriba.

Contrapicado. La cámara se sitúa por debajo del objeto o del personaje. El eje óptico de la supuesta cámara apunta hacia arriba.

Cenital: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular.

Nadir o Supina: la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.

Plano holandés: Cuano la cámara está ligeramente inclinada, por lo regular a un ángulo de 45 grados. Da idea de inestabilidad.

LÍNEAS DE EXPRESIÓN DEL ROSTRO. ALGUNOS EJEMPLOS.

CREA TU PROPIO GESTUARIO

CREACIÓN DE PERSONAJES.



Y después de conocer cómo surgió el cómic y cuáles son sus componentes esenciales, ha llegado el momento de conocer qué pasos hay que seguir para crear una historieta.

ESCRIBIR EL GUIÓN

El primer paso es idear una historia. Antes de empezar, hay que tomar una serie de decisiones:

DESTINATARIO: ¿A quién va dirigida la historia que se va a narrar?

FINALIDAD: ¿Qué objetivos se persiguen?: enseñar, entretener, denunciar, transmitir valores…

PERSONAJES: ¿Cómo serán los personajes? ¿Cuántos habrá? ¿Quién o quiénes serán los protagonistas y quiénes los antagonistas?

ESPACIOS: ¿En qué espacios o ambientes transcurrirá la historia? ¿Serán abiertos o cerrados? ¿imaginarios o reales?

ÉPOCA: ¿En qué época sucederá? ¿En el pasado, en el presente o en un futuro lejano?

LINEALIDAD: ¿La acción será lineal o habrá saltos temporales (elipsis, flash-back, flash forward)?

RECOMENDACIÓN: Pensad varias historias posibles y luego elegid la que os parezca más original. No rechacéis las otras, pueden seros útiles para otros trabajos de composición escrita.

ESTRUCTURAR EL GUIÓN EN VIÑETAS

Una vez está redactado el argumento, hay que estructurarlo en viñetas (story board). En cada viñeta habrá que describir los personajes, objetos o paisajes que aparecerán y escribir los diálogos y textos de apoyo, siempre pensando en las limitaciones de espacio.

Es importante tener en cuenta las transiciones de la acción en las viñetas.

RECOMENDACIÓN: El texto de los diálogos y rótulos debe ser legible, preferiblemente en “letra de palo”. El diseño exterior de las viñetas (silueta y tamaño) y el tipo de plano tienen que estar en consonancia con la acción que se representa en ellas.

ELEGIR EL SOPORTE

El tercer paso consiste en elegir el soporte en el que se va a crear la historieta. Puede ser en papel o digital.

Si preferís dibujar la historieta, primero deberéis contar con un buen papel para que el borrado no estropee su textura. Después, deberéis diseñar la matriz (distribución de viñetas en la página), dibujar los bocetos y luego pasarlos a tinta o pintarlos. Es importante tener en cuenta las proporciones de las figuras.

Si preferís crear una historieta on line, podéis usar este generador: Stripgenerator.

RECOMENDACIÓN: Stripgenerator sólo permite crear tiras cómicas de tres viñetas. Podéis salvar esta limitación, creando varias series de tres y luego maquetarlas todas juntas. Para ello, podéis copiar las tiras en un documento de texto con la opción de impresión de pantalla (ImpPnt). ¡SUERTE!